2017年11月的最后一天，迪士尼率先宣布其年度全球票房超過了50億美元，五天之后，華納兄弟達成同樣業績，到12月12日，環球影業宣布自成立105年來第二次實現這樣的票房成績。

12月15日，《星球大戰8：最后的絕地武士》（Star Wars: The Last Jedi）上映，七天之內累計超過7.4億美元的全球票房。于是，迪士尼影業創造了連續三年票房超過50億美元的記錄，同時還成為歷史上首家連續兩年總票房突破60億美元的制片公司。

而就在《最后的絕地武士》上映前一天，迪士尼影業以524億美元的天價收購了21世紀福斯。在媒體行業交易史上，這次合并的規模僅次于2001年 AOL 和時代華納1035億美元。

如果你還不能對這個交易的復雜精密程度和野心有一個直觀了解的話，那么有這樣一個簡單的事實可以說明，如果聯邦當局否決了這項合并案，迪士尼不僅會竹籃打水一場空，反而需要支付給21世紀福斯公司25億美元的分手費用。

在2017年，迪士尼創造了無數讓人眼花繚亂的記錄，然而，在消費者沉浸在迪士尼營造的消費主義狂潮而不可自拔的同時，或許并不會有多少人會注意到，這家公司在十多年前也曾陷入了困頓和踟躕的兩難境地。

在2009年，迪士尼影業的凈營收從上一年的不到11億美元萎縮到只有不到2億美元，消費產品、公園及度假村、媒體網絡業務全都出現了大幅下滑。還是在這一年，迪士尼公司自90年代第二次出現營收同比下滑。

在過去的十多年中，好萊塢傳統的大制片廠體制和產業體系受到了前所未有的沖擊，并發生著天翻地覆的變化。八大制片公司此起彼落，最終縮減到六大公司，現在這一趨勢依然不可阻止地繼續發生著。

在舊體系不斷坍塌新秩序逐漸浮現的大時代里，通過一系列的運營和規劃，迪士尼這個世界上最偉大最具野心的娛樂帝國最終實現了自我拯救，重新崛起并建立起了自己的帝國霸權。

米老鼠一炮而紅，遭遇二戰危機后，迪士尼進入電視和游樂園市場

1923年，經歷了第一次世界大戰之后，人類迎來短暫而茍且的和平，美國這個冉冉興起的大國也一片歌舞升平。

在堪薩斯城，華特·迪士尼（Walt Disney）拍了動畫短片《愛麗絲夢游仙境》（Alice's Wonderland），他對此片頗有期待，希望以此成為發行商的敲門磚從而發行愛麗絲的系列電影。

這年夏天，22歲的華特來到了加州，并遇到了一位愿意發行這一系列作品的發行商，上映日期定在10月16日，而這一天也就成了迪士尼公司的創始日。華特和他的兄弟羅伊·迪士尼（Roy O. Disney）共同成立了迪士尼兄弟卡通工作室（Disney Brothers Cartoon Studio）。隨后在羅伊的建議下， 這家公司改名華特迪士尼工作室（Walt Disney Studio）。

華特為愛麗絲系列投入了4年多的時間，然而到了1927年，他決定制作新的動畫系列。他創造了幸運兔子奧斯華（Oswald the Lucky Rabbit）的形象并為此制作了26部動畫電影。但是在第二年的時候，他發現發行商在背后玩弄心機來壓價。

而且更加糟糕的是，在研究了雙方的合同之后，華特意識到他實際上根本就不擁有奧斯華的版權，相關權益全都被發行商緊緊地攥在手里。直到2006年，迪士尼才從 NBC 環球手中買回了奧斯華的全部所有權。這個時候，傷心欲絕的華特意識到，自此以后無論如何都要擁有對作品的絕對控制權。

隨后，華特和他的主動畫師烏布伊沃克斯（Ub Iwerks）一起設計出了一只新的老鼠形象，最初他們為它命名莫蒂默（Mortimer），然而，華特的妻子莉蓮（Lillian）卻并不喜歡這個名字的發音，于是，這只老鼠有了新的名字——他們叫它米老鼠（Mickey Mouse）。

伊沃克斯制作了兩部米老鼠電影，然而，問題卻橫亙在華特面前。

當時，隨著電影制作和放映技術的革命，默片造已經失去了往日的輝煌，觀眾紛紛對有聲電影趨之若鶩。連偉大的巴斯特·基頓（Buster Keaton）也不靠避免地成為了新技術和潮流的犧牲品，在20年代之后逐漸銷聲匿跡郁郁寡歡。

于是，迪士尼制作了第三部米老鼠電影，1928年11月，這部有聲電影伴隨著邊駕駛威利號汽船邊吹口哨的米老鼠在紐約上映，米老鼠一炮而紅。

接著，迪士尼又制作了“糊涂交響曲”（Silly Symphony）系列，這一系列的每部作品都有著不同的角色，實際上對迪士尼的動畫師們來說，這個系列最大的意義在于，為他們提供了一個在主流的米老鼠系列之外嘗試新的故事和技術的自由新天地。

1932年，在學院第一次設立最佳動畫片獎的當年，這個系列中的《花與樹》（Flowers and Trees）就以第一步全才動畫片的身份奪魁，在接下來的十多年時間里，在動畫片這個類別中，迪士尼獨孤求敗罕逢敵手，連續奪得最佳動畫片。

恰逢其時，機緣巧合之下，有人向華特購買米老鼠的形象來生產鉛筆盒，于是，后者開始意識到，米老鼠不是只能靠大銀幕來賺錢。迪士尼商品由此應運而生。

1934年的某天晚上，華特跟動畫師提出要制作一部動畫大片的打算，然而，他開始講起白雪公主的故事。動畫師們對此面面相覷，在此之前，迪士尼從來沒有制作過動畫長片的經歷，他們更不會料到這部電影整整花了三年的時間才制作完成。

前所未有的付出獲得了驚人的回報。在圣誕節假期上映的《白雪公主與七個小矮人》（Snow White and the Seven Dwarfs）在當年獲得了超過1.84億美元的國內票房，考慮通貨膨脹因素之后，這相當于今天的9.7億美元，這部80年前的電影在整個北美票房歷史上依然能排到第十。

華特意識到，動畫短片固然能為公司賺取利潤，但是，只有大片才能真正讓公司持續繁榮下去。

然而，不幸的是，第二次世界大戰如暴風驟雨一般席卷世界，迪士尼的動畫大片計劃由此遭遇毀滅性打擊，1940年的《木偶奇遇記》（Pinocchio）和《幻想曲》（Fantasia）由于遭逢時局動亂而票房表現平平，1942年的《小鹿斑比》（Bambi）在市場上的受挫甚至使得迪士尼不得不鎖緊開支來應付嚴重的財政壓力。

更加雪上加霜的是，迪士尼在戰爭期間受到國務院要求來制作鼓動群眾情緒的宣傳片以及為軍隊制作訓練片，這樣的影響一直持續到戰后。

由于在非動畫和藝術的作品中投入了太多的經歷，迪士尼一時間根本無法把握觀眾和市場的喜好，無奈之下，只好依靠動畫短片打包來支撐場面。迪士尼也嘗試過制作真人電影，但是出于迎合觀眾口味的打算，他們又不得不妥協在其中植入動畫因素。

直到50年代，迪士尼才漸漸復蘇。

除了真人電影《金銀島》（Treasure Island）和《灰姑娘》（Cinderella）的成功之外，迪士尼同時也進入到了電視領域，在1954年推出了《迪士尼樂園》（Disneyland）系列劇集，最終這部劇集播出了整整29年，成為史上播出時間最長的黃金時段劇集。與此同時，《米老鼠俱樂部》（Mickey Mouse Club）也成為了倍受兒童歡迎的劇集，在家庭觀眾群體產生了轟動效應。

華特常常帶著他的兩個女兒去游樂園，但是最后往往都并不能盡興如意。于是，他決定自己設立一個真正讓所有人都能在其中換了共度的主題公園。經過漫長的規劃建設，第一家迪士尼樂園在1955年7月正式開放。

一切都按照華特·迪士尼的設想有條不紊地進行著，他的藍圖甚至不僅僅局限在迪士尼的版圖之中，華特曾經夢想過“未來社區設計原型”（Experimental Prototype Community of Tomorrow，EPCOT），這個永遠不會完工一直會持續完善豐富的龐大樂園計劃最終隨著華特1966年的逝世而封存在歷史的遺跡堆中。

此時，好萊塢和迪士尼都迎來了新的時代。

華特突然去世，新三駕馬車組合的舉措頗有成效

華特去世后，羅伊發表了一個充滿著樂觀情緒的宣言，表示迪士尼會繼續踵武華特的思想和天才。然而，事與愿違的是，沒有了華特對商業和藝術的天才敏感及巨大熱情，迪士尼在70年代的大多數時候都仿佛一艘沒有舵手掌握的扁舟在時代的巨浪鐘飄零。

在由《星球大戰》（Star Wars）的巨大成功掀起的科幻電影潮流中，迪士尼也不靠避免地成為了邯鄲學步的追隨者，他們在1979年推出了成本2000萬美元的電影《黑洞》（The Black Hole），結果其票房成績僅有可憐的不到360萬美元。

迪士尼公司已經成立六十年，80年代的觀眾早已經對老掉牙的合家歡電影感到厭煩，然而，迪士尼卻并未敏銳及時地意識到市場風氣和遷移，于是，他們自然而然地喪失了青少年和成人觀眾群體。

這時候，原派拉蒙影業的邁克·埃斯納（Michael Eisner）走馬上任成為公司的新 CEO，和公司主席弗蘭克·威爾斯（Frank Wells）、電影公司主席杰弗瑞·卡森伯格（Jeffrey Katzenberg）形成了三駕馬車的組合。

下車伊始，埃斯納便強調子公司試金石電影（Touchstone Films）去吸引成年觀眾。隨著《乞丐皇帝》（Down and Out in Beverly Hills）、《悍妞萬里追》（Outrageous Fortune）、《家有惡夫》（Ruthless People） 等一系列非典型迪士尼作品的成功，埃斯納上任第一年，迪士尼就從八大票房成績的末座疾速攀升到第一名。

到了80年代末，迪士尼的電影風格更加多樣化，不僅有像《三個奶爸一個娃》（Three Men and a Baby）和《早安越南》（Good Morning Vietnam）這樣的劇情片，還包括《誰陷害了兔子羅杰》（Who Framed Roger Rabbit）將真人和動畫結合的成人作品。

與這些電影的成功相比，更具產業意義和價值的是，由于在制作發行鏈條上擁有著巨大話語權和優勢，迪士尼每部電影的平均制作成本僅為1500萬美元，而行業的平均支出為2300萬美元。

自埃斯納主持迪士尼大局之后，迪士尼在80年代剩下的時間里保持了年均近二十個百分點的高速增幅。在80年代早期，主題公園業務在迪士尼整個營收中的比重高達七成左右，到了1991年，隨著一系列的業務調整，酒店、錄像帶發行及商品業務的收入在整個公司中的比重已經增加到28%，而覆蓋歐洲、東亞的國際業務的貢獻也達到了22%。

在1991年，制片業務首次超過了主題公園創造的營收，同年推出的迪士尼第三十部動畫長片《美女與野獸》（Beauty and the Beast）也創造了新的動畫片票房記錄。然而，在這個大局動蕩荒誕的一年，這些成績在整個公司營收同比出現23%下滑的背景下越發黯淡無光。

埃斯納曾經提出的雄心勃勃的“迪士尼十年”（Disney Decade），要使迪士尼發生翻天覆地的劇變。然而，美好的愿望最終被現實沖擊得支離破碎。

1994年，盡管《獅子王》（The Lion King）獲得了驚人的成功，但是，弗蘭克在一次直升機事故中遇難，卡森伯格向埃斯納要求獲得公司主席的職位，后者斷然拒絕，結果卡森伯格掛印離去，兩人之間齟齬不斷，曾經珠聯璧合的三人迎來分崩離析的結局。

高管不和，內憂外患中迪士尼展開大并購

恰逢公司高層之間的不和，迪士尼收購 NBC 電視網的行動最終也以通用公司執意要求保留 NBC51%股份的條件而最終告吹，次年，迪士尼轉而以190億美元的價格收購了 資本城/ABC 作罷。

這是截止當時為止交易金額最高的媒體公司收購案，也是當時美國歷史上規模第二大的并購案。到1996年交易完成后，迪士尼受眾新增了10家電視臺、21家廣播臺、7家日報及4家有線網絡的所有權。到了90年代末期，迪士尼公司近五分之一的收入來源于海外業務，盡管在埃斯納看來，這樣的比重依然不夠高。這時候開始，中國被視為高增長市場。

此時，互聯網風潮興起，迪士尼也急不可耐地潛入其中。

1998年，迪士尼在前一年交易的基礎上收購了保羅·艾倫（Paul Allen）持有的 Starwave 剩余的三分之二資產，這家公司手上持有包括 ABC、ESPN 等網站。在1999年完成了對搜索引擎公司 Infoseek 的收購，同年還推出了 GO Network Web 服務，通過互聯網向用戶提供內容。

但是，互聯網泡沫襲來讓迪士尼第一次和互聯網的親密接觸最終以失敗告終。

推出2年后，GO Network Web 就無以為繼，最終迪士尼不得不宣布關停網站和服務。同一年，Infoseek 也被關停，頗具諷刺意味的是，就在收購這家公司的1999年，Infoseek 的一名中國員工毅然回國，并創辦了自己的搜索公司——這個中國工程師的名字叫李彥宏。

世紀末的荒誕與焦慮此時也漸漸在迪士尼內部蔓延，卡森伯格和迪士尼之間的矛盾愈發嚴重起來。雙方之間的訴訟官司鬧得滿城風雨，迪士尼內部不為人知的秘辛被當成雙方你來我往的證據而公諸于眾。

埃斯納本來有機會以1億美元的代價和卡森伯格達成和解，但是，他卻對此置之不理，最后，當官司的索賠達到5.8億的地步時，雙方之間的頡頏已然無法收場。

卡森伯格的賠償要求是基于迪士尼公司未來營收狀況而定的，公司律師提出故意擺爛一部電影來抵消賠償。盡管屬于訴訟和財務技巧，但實際上迪士尼公司甚至都不用玩弄花招就已經足夠難看了。在1999年前9個月，除了實體銷售收入之外，迪士尼運營收入同比下滑17%，凈營收大跌26%。

最終，卡森伯格和迪士尼的訴訟以后者的賠償宣告結束，直到今天，都沒有人確知這筆賠償金的具體數額，外界普遍猜測在2億美元左右。這個訴訟讓迪士尼深陷輿論風波之中，對埃斯納個人領導力和迪士尼的質疑甚囂塵上。人們甚至普遍懷疑新的青少年世代已經不再像以前那樣會被迪士尼的作品和風格吸引，而這群人恰恰是這家公司的消費根基。

2001年的911恐怖襲擊給剛剛在上一年才有起色的迪士尼當頭棒喝，人們擔心恐怖襲擊而不愿再去公眾聚集區域，首當其沖的自然是主題公園和度假村業務，娛樂產業的消費當然也受到了沖擊。

自1991年保持了10年的營收持續增長到2002年首次中斷，迪士尼凈收入在2002年的下滑接近33%，其中主題公園業務下滑超過26%，媒體網絡業務更是出現了同比近44%的暴跌。

為了擺脫困境，迪士尼不得不采取了大量的開源節流措施，不僅削減主題公園運營支出、真人電影投資，還進一步壓縮網絡運營，同時進行了一場規模超過4000人左右的裁員。

曾經幫助迪士尼成為娛樂帝國的動畫片再度站了出來。

2001年由皮克斯制作、迪士尼發行的《怪物公司》（Monsters, Inc）取得了超過5.7億美元的全球票房，成為當年僅次于《哈利·波特與魔法石》（Harry Potter and the Sorcerer's Stone）、《指環王1：魔戒再現》（The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring）的最賣座的電影。

在2003年，皮克斯制作仍然由迪士尼發行的《尋找尼莫》（Finding Nemo）的全球票房超過9.4億美元，而根據主題公園里面的項目改編的《加勒比海盜：黑珍珠的詛咒》（Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl）的全球票房超過6.5億美元，兩部電影的國內票房都超過3億美元，而這是一個前所未有的記錄。

在這一年，迪士尼成為歷史上首家年度票房超過30億美元的公司。但是，迪士尼公司內部再起事端。

公司副主席、羅伊·迪士尼之子羅伊（Roy E. Disney）在這一年11月辭職，并將此歸咎于動畫片工作室內部有太多的微管理、ABC 電視網絡的下滑和主題公園的萎縮，表示迪士尼公司已經變成一家“貪婪、沒有靈魂”的公司。

到了2004年3月，羅伊和史丹利·哥德（Stanley Gold）在年度股東大會上發起了投票，結果有43%的投票并不同意將埃斯納重新選入董事會，緊接著選擇了新的主席人選。

迪士尼的麻煩不止這一樁而已。

在這一年，曾經和迪士尼簽訂了12年合作協議的皮克斯決定不再續約，而所有人都已經看出來，在動畫長片領域，前有不可一世的皮克斯，后有來勢洶洶的藍天、夢工廠，幾乎已經喪失了動畫創造力和靈感的迪士尼根本無力對這些對手對抗。還是在這一年，康卡斯特集團（Comcast Corporation）向迪士尼提出了540億美元的收購報價，盡管遭到了拒絕，但這進一步加劇了外界對迪士尼公司的擔憂。

更讓迪士尼叫苦不迭的是，這一年推出的第45部動畫長片《牧場是我家》（Home on the Range）遭遇重挫，制作成本高達1.1億美元的該片最終國內票房僅有5000多萬美元，全球總票房甚至都入不敷出。而真人電影《邊城英烈傳》（The Alamo）制作成本將近1.1億美元，結果全球總票房只有不到2600萬美元。

事已至此，埃斯納不得不宣布提前辭去公司 CEO，與他一起離開迪士尼的還有米拉麥克斯的兩位聯合創始人哈維·韋恩斯坦（Harvey Weinstein）和鮑勃·韋恩斯坦（Harvey Weinstein）。

1995年剛成立時的皮克斯，自左至右依次為公司 CFO 勞倫斯·李維（Lawrence Levy）、CTO 愛德·卡特摩爾（Ed Catmull）、CEO 喬布斯、創意副總裁約翰·拉賽特（John Lasseter）及制作副總裁薩拉·麥克阿瑟（Sarah McArthur）

2006年，迪士尼正式以價值74億美元的股票收購了皮克斯公司，時任皮克斯 CEO 并持有其50.1%股份的喬布斯由此擁有了迪士尼7%的股份而成為其最大的個人股東。這一年，《飛車正傳》（Cars）和《加勒比海盜2：聚魂棺》（Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest）在暑假上映，后者不僅成為當年的國內和全球票房冠軍，更創造了迪士尼電影的新記錄。

緊接著在2009年和2012年，迪士尼分別以42.4億美元和40.5億美元的價格收購了漫威娛樂和盧卡斯影業，兩筆收購之后，迪士尼擁有了漫威旗下超過5000個角色的所有權，同時，盧卡斯公司的《星球大戰》、《印第安納瓊斯》（Indiana Jones）系列的電影制作、消費商品、動畫化、視效及音頻后期制作的權利全部都歸迪士尼所有。

由此，迪士尼進入了一個前所未有的睥睨對手的階段。

激進大并購后，給迪士尼的未來帶來了什么？

在好萊塢黃金時代，20世紀福斯、華納兄弟、派拉蒙、環球影業、米高梅、聯藝（United Artists）及 RKO 并稱八大電影公司，華特迪士尼影業則是一家獨立的制片公司，雖然規模龐大實力雄厚，但是傳統意義上卻并不將其列入八大巨頭。隨著時代變遷和產業發展，其中的RKO、聯藝及米高梅先后成為歷史的遺物，余下五家公司和迪士尼并列成為新的六大。

六大巨頭不僅有自己的制片廠同時還有強大的發行體系，它們各自的母公司又往往是例如迪士尼、時代華納、索尼及維亞康姆這樣的傳媒巨頭。因此，它們在好萊塢的電影工業體系占據著近乎壟斷的優勢。以2016年為例，六大巨頭占據了八成以上的電影市場份額，其中，迪士尼的票房比重超過了26%。而在和21世紀福斯合并以后，新的迪士尼將占據42%以上的美國電影市場。

事實上，以北美票房前100排行榜來統計的話，迪士尼作品竟然高達29部。對這29作品進行一個簡單的統計的話，我們會發現一些有趣的事實：

以2006年為分界線并排除掉由迪士尼發行的皮克斯作品的話，那只有《納尼亞傳奇1：獅子、女巫和魔衣櫥》（The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe）、《第六感》（The Sixth Sense）、《獅子王》及《加勒比海盜》前兩部共5部作品。

如果以2009年收購漫威為界限來看，則屬于漫威宇宙的電影高達7部；

皮克斯作品的數量則為8部，以電影類型來統計的話，則有高達11部動畫片，

收購盧卡斯影業后上映的三部《星球大戰》系列作品全都在其中；

迪士尼的作品在這份榜單的前10中占據5個席位，它們恰好代表了迪士尼電影的關鍵主題——《星球大戰》系列（《星球大戰：原力覺醒》（Star Wars: The Force Awakens）及《俠盜一號》（Rogue One））、漫威宇宙（《復仇者聯盟》（Marvel's The Avengers））、迪士尼自制作品（《美女與野獸》（Beauty and the Beast））和皮克斯制作（《尋找多莉》（Finding Dory））。

迪士尼和21世紀福斯的并購案將對整個好萊塢體系產生前所未有的影響

從上面的統計，我們可以清楚地看出，在過去十年里迪士尼進行的一系列并購幫助它成功地贏得了下一個甚至數個時代娛樂消費的關鍵戰役。讓我們先看看最新的收購21世紀福斯到底能為迪士尼帶來什么？

首先，20世紀福斯影業早在2009年前就買下了漫威旗下角色 X 戰警的版權，同時——不要驚訝！——它還擁有《星球大戰：新希望》（Star Wars: A New Hope）的版權，這次收購實際上幫助迪士尼成功彌補了兩個最重要 IP 庫的最后關鍵拼圖。

其次，相較以前迪士尼電視網絡青少年為主的收視群體，收購21世紀福斯以后意味著迪士尼將擁有 國家地理頻道及 FX，這給了它和 HBO、Showtime 及 AMC 這樣面向成年觀眾的電視網絡直接競爭的機會。

事實上，這樣的思路一直貫穿于迪士尼過去十年的運營和并購思路上。

在沒有被收購之前，皮克斯一直保持著驚人的創造力，除了技術方面之外，曾經執動畫長片牛耳的迪士尼相形之下幾乎全面落敗，但是，在收購皮克斯并將其創意總監拉賽特調入母公司動畫工作室之后，迪士尼開始表現出驚人的學習能力和執行力。

只用了兩年時間，迪士尼就拍出了《魔法奇緣》（Tangled），隨著自2009年開始連續每年都推出動畫片以后，皮克斯的創意也逐漸衰竭，到了2012年，皮克斯和迪士尼先后推出《飛車正傳2》和《無敵破壞王》（Wreck-It Ralph），迪士尼動畫電影的口碑第一次超過了皮克斯。

到了2013年，兩者之間的處境出現了天翻地覆的差距，迪士尼的《冰雪奇緣》（Frozen）第一次在票房上大勝皮克斯，這部大膽改編自了安徒生童話故事的動畫長片最終取得了驚人的12.8億美元的全球票房。

在短暫修整了一年之后，皮克斯在2015年史無前例地接連推出了兩部作品，然而在《頭腦特工隊》（Inside Out）的巨大成功之后，精疲力竭的皮克斯的《恐龍當家》（The Good Dinosaur）不出意外地以失敗告終，成為皮克斯歷史上票房最低的作品。

輪休了一年的迪士尼則在2016年推出了《瘋狂動物城》（Zootopia）并再次取得了非常出色的口碑和票房，同一年推出的《海洋奇緣》（Moana）亦取得了超過6.4億美元的全球票房。在今年，皮克斯再次在一年內推出兩部動畫，然而，無論是《飛車正傳3》還是《尋夢環游記》（Coco）都失去了皮克斯作品過往在市場上的號召力——自成立以來推出的19部動畫長片中，這兩部的票房僅高于《恐龍當家》。

自2007年推出的12部皮克斯動畫長片中，續集作品多達5部，而在被迪士尼收購之前的11年時間里，皮克斯僅僅只推出過《玩具總動員2》（Toy Story 2）一部續集動畫。

在母公司的壓榨之下，皮克斯這塊動畫長片領域的金字招牌正遭遇著前所未有的困境和壓力，在商業和藝術性之間的平衡越來越受到大公司體制的掣肘，而曾經為人津津樂道的講故事的能力和對觀眾情緒的引導現在也漸漸衰減。在耳濡目染小老弟十多年后，迪士尼這家有著80多年歷史的公司反而煥發出越來越具有活力和趣味的創造力。

而對漫威和盧卡斯，迪士尼又有完全不同的規劃，事實上，由于兩家公司在影片開發和商業開發等鏈條上的成功運作經驗，迪士尼依然維持著它們的獨立運作，更多地是利用自身強大的資源和渠道去進一步開拓價值與潛力。

皮克斯與漫威、盧卡斯影業賦予迪士尼的是完全不同的能力，前者給予了這家以動畫起家的公司重新學會制作為觀眾喜歡的動畫片的能力，而后者則使得迪士尼擁有了新的無與倫比的 IP 資源池以及不斷完善整個 IP 價值鏈的商業開發能力。

實際上，無論是皮克斯式的還是漫威、盧卡斯式的收購，對迪士尼來說，最重要的都是開發出的 IP 及其背后的潛力。

于是，在迪士尼身上混合著兩種截然不同的因素，一方面，自誕生以來80多年的時間里，它為無數青少年和觀眾帶去了真實的歡樂，創造了包括米老鼠、斑比、艾莎安娜姐妹、兔子女警朱迪等一系列膾炙人口的形象，無數人從銀幕上或主題公園里獲得了前所未有的滿足。

然而，另一方面，這個龐大的娛樂帝國又往往會采取不公平乃至不義的手段來來保持它的壟斷優勢，在創造娛樂消費和樂趣的同時，它也不靠避免地利用商業和法律的合理規則來扼殺屬于更多人的創造的樂趣。

根據福布斯的估算，米老鼠在2004年就為迪士尼帶去了58億美元的收入，面對如此豐厚的回報，任何公司都不可能輕易將其拱手讓人。

但是，版權法律對版權所有時間有著明確的規定。1790年的版權法案的時限只有28年，其后不斷延長，到了1909年的法案，已經增加到了56年。在米老鼠誕生的1928年，按照生效的版權法規執行的話，那么，米老鼠在1984年就不再屬于迪士尼公司而進入到公共領域。

之前在奧斯華身上已經吃過虧的華特及迪士尼公司由此展開了波瀾壯闊的游說國會的歷史，他們試圖說服國會修改版權不斷演唱其擁有米老鼠的時限。

結果不出意外，到了1976年，距離迪士尼喪失其米老鼠版權還有8年的時間，國會正式通過了新的版權法案，將版權時限延長到75年，并明確規定所有1922年問世的作品的版權期限都自動延長。

因此，迪士尼可以擁有米老鼠版權直到2003年，到了90年代中期，迪士尼公司意識到不僅在不久的將來會喪失米老鼠，同時，布魯托、高飛和唐老鴨也將先后在2005年、2007年和2009年流入到公共領域。

迪士尼公司的院外游說再度展開。

1997年，國會提出了《版權期間延長法案》（Copyright Term Extension Act），旨在將版權延長到95年。迪士尼政治行動委員會一共投入了15萬美元來進行活動，該法案25名連署者中的19人都收到了埃斯納的物質饋贈。

1998年10月，該法案正式通過，于是，迪士尼再次成功將擁有米老鼠版權的時限延長到了2023年。

然而，頗為諷刺的是，盡管迪士尼一再延長自己角色和作品的版權時限，但是它自己的眾多作品卻是直接間接地改編自早已經進入公共領域的作品.

在2014年，福布斯統計出了50部改編而來的迪士尼作品，其中包括了《阿拉丁》（Aladdin）、《愛麗絲夢游仙境》（Alice in Wonderland）、《灰姑娘》（Cinderella）、《花木蘭》（Mulan）、《睡美人》（Sleeping Beauty）、《冰雪奇緣》、《奇幻森林》（The Jungle Book）這些耳熟能詳的作品。

有人說還會再愛迪士尼一萬年，或許在愛之外，還會隱隱讓我們關心和恐懼的是，即使在那之后，米老鼠會不會依然屬于迪士尼呢？

來源|鈦媒體